El Museo Metropolitano publica miles de imágenes antiguas

El Museo Metropolitano publica miles de imágenes antiguas

El Museo Metropolitano de Arte de Nueva York acaba de anunciar el lanzamiento de más de 400.000 imágenes digitales de alta resolución de su colección de renombre mundial, según un comunicado de prensa de Art Daily.

Las imágenes ahora disponibles gratuitamente, que se pueden descargar para uso no comercial, incluyen miles de estatuillas antiguas, relieves, pinturas, manuscritos y otros artefactos que abarcan un período de 10,000 años y que abarcan todas las grandes civilizaciones de nuestro pasado antiguo, como así como cientos de culturas en todo el mundo.

La nueva iniciativa llamada Acceso Abierto para Contenido Académico (OASC), significa que las imágenes pueden descargarse directamente del sitio web del Museo para uso no comercial sin permiso del Museo y sin costo. OASC fue desarrollado como un recurso para estudiantes, educadores, investigadores, curadores, editores académicos, realizadores de documentales no comerciales y otros involucrados en trabajos académicos o culturales. Antes del establecimiento de OASC, el Museo Metropolitano proporcionó imágenes a pedido, por una tarifa, y la autorización estaba sujeta a términos y condiciones estrictos.

“A través de esta nueva política de acceso abierto, nos sumamos a un número creciente de museos que brindan acceso gratuito a imágenes de arte en el dominio público. Estoy encantado de que la tecnología digital pueda abrir las puertas a este tesoro de imágenes de nuestra colección enciclopédica ”, dijo Thomas P. Campbell, director y director ejecutivo del Museo Metropolitano de Arte.

Aquí presentamos solo una pequeña muestra de la magnífica colección ahora disponible para el público.

Fragmento de un piso de mosaico bizantino con una personificación de Ktisis (500-550 dC).

Este fragmento es un ejemplo de los mosaicos excepcionales creados en todo el mundo bizantino temprano en la primera mitad del siglo VI. La vara que sostiene, la herramienta de medición del pie romano, la identifica como una personificación del concepto abstracto de "Ktisis" o Fundación, y simboliza la donación o fundación de un edificio. Las personificaciones de las ideas abstractas, desarrolladas por los filósofos estoicos, siguieron siendo populares en la era cristiana primitiva.

Tallado en relieve neoasirio (ca. 883–859 a. C.)

Las habitaciones del palacio de Nimrud estaban decoradas con grandes losas de piedra talladas en bajo relieve, con paredes y techos pintados de vivos colores y figuras escultóricas que custodiaban las puertas. La sala del trono contenía escenas narrativas que conmemoraban las victorias militares de Ashurnasirpal, mientras que en otras áreas del palacio había figuras protectoras e imágenes del rey y su séquito realizando actos rituales. En esta losa en relieve, el rey Asurnasirpal II lleva la corona real, un gorro cónico con un pequeño pico y una larga diadema. Lleva un arco, símbolo de su autoridad, y un cuenco ceremonial. Frente a él, un eunuco, un "imberbe", lleva un batidor de moscas y un cucharón para reabastecer la vasija real. El carácter pacífico, quizás religioso, de la escena se refleja en la digna compostura de las figuras.

Reproducción del Fresco de los saltadores de toros, atribuido a Emile Gilliéron père. Excavado en 1901 en el Patio del Caño de Piedra, Knossos. (ca. 1425-1300 a. C.)

El conocido fresco en Knossos de un toro saltando fue una de al menos tres escenas similares. La parte de la figura está enmarcada en la parte superior e inferior por elaborados bordes de patrones de rocas abigarradas superpuestas entre bandas estrechas con patrones dentales. No hay evidencia que apoye el patrón de roca restaurado a los lados. Dos hembras de piel blanca y un macho de piel roja se enfrentan al toro, que se presenta en un galope volador. Los deportes de toros tenían una larga historia en el arte minoico que se remonta al tercer milenio antes de Cristo. Cuando esta reproducción se exhibió por primera vez en el Museo Metropolitano, se identificó como una escena de circo. Más recientemente, los estudiosos han sugerido que la escena representa prácticas rituales, quizás simbolizando la dominación humana sobre la naturaleza. El original se encuentra en el Museo Arqueológico de Herakleion, Creta.

Chakrasamvara Mandala sobre tela. Nepal (ca. 1100 d.C.)

Este mandala, o diagrama ritual, se concibe como el palacio del colérico Chakrasamvara y su consorte Vajravarahi, vistos juntos en el centro de la composición. Estas deidades son importantes para la tradición Newar de Nepal y del Tíbet, y encarnan el conocimiento esotérico de los textos budistas, los Yoga Tantras. Las divinidades centrales están rodeadas por seis diosas, cada una colocada en un pétalo de loto estilizado que forma un vajra, una característica que sugiere una fecha temprana para este trabajo. Enmarcando el mandala están los ocho grandes cementerios de la India, cada uno de los cuales está presidido por una deidad debajo de un árbol. Los cementerios son lugares apropiados para meditar en Chakrasamvara y son emblemáticos de los diversos reinos de la existencia. El registro inferior contiene cinco formas de la diosa Tara, así como un adepto tántrico a la izquierda y dos donantes a la derecha. Este mandala es una de las primeras pinturas a gran escala que sobrevivieron en Nepal.

Reproducción del fresco "Damas de azul". Emile Gilliéron fils, 1927. Original sobre yeso pintado (ca. 1525-1450 a. C.).

Este grupo de tres mujeres fue restaurado originalmente por E. Gillieron, pere sobre la base de otros fragmentos de frescos excavados antes de 1914 en Knossos. Esta copia reproduce los pocos fragmentos del fresco original quemado y desgastado, representados ligeramente desplazados de la restauración, y muestra hasta qué punto los Gillieron recrearon la escena. El original se encuentra en el Museo Arqueológico de Herakleion, Creta.

Vea la colección completa aquí.

Imagen de portada: Relieve neoasirio encontrado en Nimrud (883–859 a. C.)


Los visitantes de los museos deben tener cuidado: ese antiguo artefacto puede ser robado

Un arqueólogo forense está arrojando luz sobre el negocio, a veces turbio, detrás de las colecciones de los museos.

Hace unos años, Christos Tsirogiannis estaba mirando la colección en línea del Museo Metropolitano de Arte cuando tuvo un destello de reconocimiento. Mientras estudiaba una antigua crátera griega, una vasija de arcilla que se usaba para mezclar vino, algo "hizo clic de repente", dice. El jarrón estaba decorado con una pintura de Dioniso, el dios griego del vino. "Sabía que había visto el tema en esa crátera antes", dice.

Tsirogiannis, arqueólogo forense afiliado al Centro Escocés de Investigación sobre Crimen y Justicia de la Universidad de Glasgow, tiene acceso a bases de datos restringidas que contienen decenas de miles de fotografías y documentos incautados durante las redadas. Buscando en los archivos en línea, encontró cinco fotos de la crátera griega del Met entre los artículos confiscados a Giacomo Medici, un comerciante de antigüedades italiano condenado en 2005 por recibir artículos robados y conspiración para traficar antigüedades saqueadas.

Entonces, ¿por qué un objeto que pudo haber sido desenterrado y vendido por saqueadores en exhibición en un famoso museo estadounidense, y cómo llegó allí?

Preguntas incómodas como estas se están volviendo más comunes en la era digital a medida que los museos, las universidades y los coleccionistas privados publican catálogos en línea de sus colecciones, creando un recurso valioso para los detectives anti-saqueos como Tsirogiannis.

Aunque rara vez se reconoce su influencia, la investigación de Tsirogiannis ha impulsado a los principales museos y casas de subastas de Estados Unidos, Europa y Asia a devolver docenas de objetos preciados a sus legítimos propietarios en Grecia, Italia y otros países.

“Siempre me gustaron los rompecabezas cuando era niño”, dice el investigador nacido en Grecia. "Mi trabajo ahora se asemeja a un gigantesco rompecabezas hecho de miles de rompecabezas más pequeños".

Después de estudiar arqueología e historia del arte en la Universidad de Atenas, Tsirogiannis trabajó para los Ministerios de Cultura y Justicia griegos fechando y clasificando los artefactos saqueados. Obtuvo un doctorado en la Universidad de Cambridge en 2013, escribiendo su tesis sobre redes internacionales de comerciantes ilícitos de antigüedades.

Con una voluminosa memoria visual que puede recordar miles de imágenes de artefactos saqueados, y la voluntad de enviar docenas de correos electrónicos que nunca son respondidos, Tsirogiannis está investigando activamente cientos de objetos de museos de todo el mundo. Recientemente, advirtió a las autoridades de Manhattan que un barco etrusco exhibido en una galería de Midtown fue robado, lo que llevó a su repatriación, o regreso oficial, a Italia.


El Met lanza decenas de miles de imágenes de arte en línea de forma gratuita

Leutze & # 39s & quotWashington cruza el Delaware & quot; una de las miles de imágenes de dominio público recién publicadas del Met.

Amantes del arte de todo el mundo, regocíjense: el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York está inundando Internet con obras clásicas de su colección.

En general, está lanzando 375.000 imágenes de arte de dominio público para su visualización en la web y su uso sin restricciones en asociación con Wikimedia.

El @Metmuseum está poniendo a disposición de forma gratuita 375.000 imágenes de arte público. ¡Llegarán a @wikicommons! https://t.co/fjtdtNYXcU #MetOpenAccess

- Wikipedia (@Wikipedia) 7 de febrero de 2017

La nueva iniciativa se lanzó el jueves y está funcionando a toda máquina para promover el esfuerzo y asegurarse de que el mundo sepa cómo obtener acceso.

Richard Knipel, el primer "wikimediano residente" del museo, escribió una excelente publicación en el blog que brinda un poco más de detalles sobre el proyecto en curso, que forma parte de la nueva política de acceso abierto del museo.

Si bien gran parte de la colección del Met son obras históricas de dominio público, el Met ahora está levantando las restricciones de licencia sobre sus propias fotografías de estas obras de arte y las publica sin ambigüedades bajo CC0, para que puedan usarse libremente en línea. Con el lanzamiento de CC0 del Met hoy y la actualización de su política de licencias, las imágenes de las obras de arte de dominio público del Met estarán disponibles gratuitamente en línea para ser reutilizadas para cualquier propósito, sin restricciones bajo la ley de derechos de autor.

Los usuarios pueden navegar por la colección del museo (oa través de la búsqueda de Creative Commons) y descargar y usar imágenes clasificadas como de dominio público para lo que quieran: proyectos escolares, uso personal, incluso historias web como, bueno, esta.

Simplemente busque en la página de cada obra de arte el símbolo de "dominio público" y, boom, ¡ya tiene arte!

"A la orilla del mar" de William Chase

Imagen: museo metropolitano de arte

En un comunicado, Thomas P. Campbell, director y director ejecutivo del museo, dijo: "Aumentar el acceso a la colección y las becas del museo sirve a los intereses y necesidades de nuestro público del siglo XXI al ofrecer nuevos recursos para la creatividad, el conocimiento y las ideas. Agradecemos a Creative Commons, líder internacional en acceso abierto y derechos de autor, por ser un socio en este esfuerzo ".

Imagen: Vincent Van Gogh / Metroplitan Museum of Art a través de Wikimedia

El museo también está estableciendo asociaciones con Creative Commons, Wikimedia, Artstor, Digital Public Library of America (DPLA), Art Resource e incluso Pinterest para ayudar a publicitar la nueva iniciativa.


El Museo Metropolitano de Arte pide la protección de los sitios del patrimonio cultural en Nagorno-Karabaj

17 de noviembre de 2020 19:01 BST

El Museo Metropolitano de Arte de Nueva York hizo un llamamiento hoy para la preservación de los sitios del patrimonio cultural en la región de Nagorno-Karabaj mientras Azerbaiyán toma el control de franjas de territorio bajo un acuerdo de paz negociado por Rusia para el enclave.

"El reciente derramamiento de sangre y destrucción en la región de Nagorno-Karabaj es una tragedia global que nos preocupa gravemente a todos", dijeron en un comunicado el presidente y director ejecutivo del Met, Daniel Weiss, y el director, Max Hollein. súplica y esperanza para que la violencia se detenga, como líderes de museos instamos a que se protejan los sitios del patrimonio cultural ".

Nagorno-Karabaj se encuentra dentro de las fronteras de Azerbaiyán, pero tiene una mayoría étnica armenia.

El acuerdo de paz ruso puso fin a una guerra de seis semanas entre Azerbaiyán y armenios que se cree que mató a miles. La guerra ha atraído a algunos de los actores más importantes de la región, con Turquía respaldando a Azerbaiyán y Rusia buscando detener los combates en una región que una vez gobernó.

En octubre, Armenia acusó a Azerbaiyán de bombardear y profanar la catedral principal de la ciudad de Shushi (llamada Shusha por los azerbaiyanos) y de poner en peligro una antigua ciudad armenia helenística, Tigranakert. Azerbaiyán ha negado haber atacado la catedral de Ghazanchetsots y ha acusado a Armenia de destruir docenas de mezquitas cuando controlaba la región. Armenia es una de las civilizaciones cristianas más antiguas del mundo y Azerbaiyán es mayoritariamente musulmana.

La captura de Shushi por Azerbaiyán a principios de este mes fue un punto de inflexión que allanó el camino para la resolución negociada por Rusia que cede distritos a Azerbaiyán.

“El Museo Metropolitano de Arte se dedica a preservar y exhibir la creatividad humana de más de 5,000 años en todo el mundo”, dicen Weiss y Hollein. “Como organizador y anfitrión del ¡Armenia! exposición en 2018, que fue la primera gran exposición en explorar los notables logros artísticos y culturales del pueblo armenio en un contexto global durante catorce siglos, hemos visto con horror y tristeza la violencia y el derramamiento de sangre recientes en la región de Nagorno-Karabaj. "

“Rogamos a todos los involucrados que respeten estos sitios del patrimonio cultural internacional, que enriquecen nuestro mundo y han sobrevivido durante miles de años”, añaden. "La pérdida de sitios del patrimonio cultural es permanente y es un grave robo para las generaciones futuras".

Armenia y Azerbaiyán, ex repúblicas soviéticas, se han estado enfrentando por territorio desde el colapso de la Unión Soviética. Los últimos enfrentamientos por Nagorno-Karabaj, o la República de Artsaj, como la llaman los armenios, comenzaron en septiembre cuando el presidente Ilham Aliyev de Azerbaiyán abrió una ofensiva para retomar el enclave por la fuerza.

Según los términos del acuerdo de paz, el control de la ciudad principal del enclave, Stepanakert, permanecerá en manos de los armenios étnicos, ya que ceden otras tierras a Azerbaiyán que ha tomado durante los combates. Los armenios étnicos se están retirando de algunas áreas que han gobernado desde un acuerdo de paz previo negociado en 1994. Las tropas rusas ahora están patrullando un corredor de tierra que une la región con Armenia para que los armenios puedan abandonar el área de manera segura.

La preservación de iglesias y mezquitas en Nagorno-Karabaj será un foco principal del acuerdo de paz, dijo recientemente el ministro de Relaciones Exteriores de Rusia, Sergey Lavrov.

Lavrov dijo que involucrar a "organizaciones de la ONU como, ante todo, la Unesco", el brazo de las Naciones Unidas que supervisa los monumentos culturales, es una prioridad "especialmente en lo que respecta al establecimiento de una vida pacífica en Karabaj: la coexistencia de grupos etnoconfesionales, la reactivación de los lugares culturales y religiosos, garantizando su funcionamiento seguro y respetuoso ".

Cada lado del conflicto ha hecho un llamamiento a la Unesco. El Ministerio de Cultura de Azerbaiyán ha dicho que está reanudando una campaña de décadas para inscribir la reserva histórica y arquitectónica de Shusha, incluidos cientos de edificios antiguos, 17 mezquitas y la Fortaleza de Shusha, en la Lista del Patrimonio Mundial de la Unesco. Ha estado en la lista tentativa desde 2001.

Actualizar: Tras reunirse con representantes de Armenia y Azerbaiyán el 18 de noviembre, la directora general de la Unesco, Audrey Azoulay, propuso que la agencia de la ONU lleve a cabo una misión preliminar sobre el terreno para elaborar un inventario de los monumentos culturales más significativos “como requisito previo para una protección eficaz del patrimonio de la región ”.

El Consejo Mundial de Iglesias ha expresado su solidaridad con la iglesia armenia por "informes recibidos de otras profanaciones más recientes" e instó a "la Unesco a tomar todas las medidas posibles y apropiadas para proteger estos sitios".


Un nuevo libro cuenta 6000 años de historia del arte a través del estudio minucioso de los tesoros en el Museo Metropolitano. Lea extractos aquí.

Los historiadores del arte y los curadores del Museo Metropolitano hacen lecturas minuciosas de los objetos de la colección en esta historia del arte que avanza rápidamente.

NUEVA YORK, NY - 30 DE AGOSTO: Visitantes del ala americana del Museo Metropolitano de Arte ven la pintura de Emanuel Leutze "Washington cruzando el Delaware en 1776" el 30 de agosto de 2019 en la ciudad de Nueva York. (Foto de Andrew Lichtenstein / Corbis a través de Getty Images)

El nuevo libro Art = (Phaidon) es una corriente de conciencia creativa que da un salto alrededor del mundo y atraviesa 6.000 años de historia del arte. Para contar esta historia poco ortodoxa, el libro examina 800 obras de arte y otros objetos de la colección del Museo Metropolitano de Arte. Aquí, hemos extraído una serie de imágenes y textos que muestran cómo un lector puede vagar de la historia del oro en las Américas, a un colgante de oro colombiano, a una pintura de bailarines del artista colombiano Fernando Botero, a un estudio de Sufi. danza, a un libro del poeta sufí Hafiz, y finalmente a una historia de las artes del libro en la Edad Media.

Oro en las Américas antiguas

En las Américas antiguas, el oro era una manifestación de lo sagrado, y los objetos fabricados con él eran un medio para conectarse con un mundo sobrenatural. Lejos de ser depósitos pasivos de riqueza, los objetos hechos de oro eran agentes activos en un compromiso continuo con fuerzas poderosas. El oro estaba particularmente asociado con el sol, de hecho, a menudo se pensaba que era una excreción de esta entidad divina.

El oro era muy valorado por su rareza y capacidad para reflejar la luz, lo que lo convierte en una opción natural.
para demostraciones de rango y autoridad. Su inmunidad a la descomposición lo ha convertido en un potente símbolo de inmortalidad y poder duradero en todo el mundo; sin embargo, partes del antiguo mundo estadounidense nunca cayeron bajo el dominio del oro. Por ejemplo, los mayas del Clásico, que florecieron en lo que ahora son Honduras, Guatemala, Belice y el sur de México, mostraron poco interés en el metal, a pesar de su uso extensivo por parte de los vecinos del sur.

El oro fue explotado por primera vez en los Andes en el segundo milenio antes de Cristo, y desde allí la orfebrería se extendió gradualmente hacia el norte, llegando a América Central en los primeros siglos d.C. y llegando al centro de México antes del final del primer milenio d.C. El trabajo de los metales se adoptó más tarde que otras artes en México, pero la tecnología se dominó rápidamente, y la brillantez e inventiva de las tradiciones de orfebrería mixteca y azteca siguen siendo insuperables. Por ejemplo, un labret de oro, un adorno que se lleva a través del labio inferior, moldeado con la forma de una serpiente lista para atacar, es un tour-de-force de la metalurgia azteca (p.105, figura 4). Los artistas que lo diseñaron no solo dominaron los elementos esenciales de la fundición a la cera perdida, sino que los llevaron un paso más allá, al colocar la lengua retráctil de la serpiente como una parte móvil, creando un adorno brillante y dinámico que debe haber aterrorizado a los enemigos del usuario en el campo de batalla.

En las Américas antiguas, el oro se usaba principalmente para crear insignias de alto estatus, incluidos adornos y vasijas, pero también se usaba ocasionalmente en objetos votivos, como pequeñas figurillas depositadas en pozos sagrados, lagos o templos, retirados de la circulación y los humanos. vista. Más a menudo, sin embargo, el oro fue desplegado por personas de alto rango como parte de actuaciones cuidadosamente orquestadas diseñadas para proyectar magnificencia. Los efectos visuales dramáticos fueron primordiales, y los artistas estadounidenses antiguos crearon tocados, collares y otras obras ingeniosas, a menudo con múltiples componentes, como colgantes o campanas, que fueron diseñados para reflejar la luz y deslumbrar. Dichos ornamentos se trataba, en gran parte, de establecer identidades, afirmar estatus, privilegios y distinciones. Las leyes suntuarias controlaban quién podía poseer qué, tanto en los imperios inca como en los aztecas, el oro se limitaba a las personas a las que el emperador había otorgado el privilegio, como los miembros de la familia real y la nobleza.

La mayoría de los adornos se usaban en la cabeza o cerca de ella, enfatizando su prominencia como un lugar de percepción y comunicación, y quizás ofreciendo protección simbólica a una de las partes más vulnerables del cuerpo. Los artistas se destacaron en la creación de adornos para las orejas y el pecho (p.027, fig.4, 6), lugares que ofrecen prominencia y opciones de apego sin obstruir las funciones sensoriales. En América del Sur, sin embargo, los artistas también crearon ornamentos para la nariz (p.127, fig.5). Suspendidos del tabique nasal, oscurecerían la boca, enmascarando sus movimientos y quizás contribuyendo a la proyección del portador como un ser sobrenatural. En los Andes, las vasijas de oro elaboradas se volvieron prominentes en el ritual y el arte de gobernar en la segunda mitad del primer milenio d.C. Los orfebres de la costa norte de Perú desarrollaron una producción casi industrial de vasos de precipitados hechos de láminas de oro, presumiblemente utilizados en la vida antes de que fueran depositados por docenas en tumbas de individuos de alto estatus. Quizás los objetos más espectaculares de esta región sean las grandes máscaras funerarias, también de hoja de oro. El cinabrio, un pigmento mineral rojo, cubría gran parte de las mejillas y la frente de algunas máscaras, oscureciendo la superficie dorada y sugiriendo que los valores inherentes del metal eran apreciados por encima de su apariencia superficial.

En el siglo XVI, el aparentemente insaciable apetito de los españoles por el oro desconcertó a los indígenas estadounidenses, y los europeos ignoraron inicialmente las cosas de incalculable valor para ellos, como conchas de spondylus, piedras verdes y textiles finos. los
El deseo incansable de los españoles por el oro provocó una de las pérdidas de vidas más devastadoras en la historia mundial, debido al peligroso trabajo forzoso en las minas, pero principalmente a través de la introducción de enfermedades contra las cuales la población nativa no tenía resistencia. Aunque algunos objetos se enviaron a Europa como curiosidades, la mayoría de las obras de oro precolombino se fundieron en lingotes para facilitar el transporte y el comercio. El oro, quizás el más mutable de los metales, “renacería” en una nueva forma, rehecho al servicio de nuevos reyes y un nuevo dios. No sería hasta finales del siglo XIX que las obras de arte precolombinas en oro serían valoradas en su forma original, más que por su material.

Colgante de figura, siglos X-XVI, cultura Tairona, Colombia

Colgante de figura, siglos X-XVI. Cultura Tairona, Colombia. Oro. Donación de la Fundación H. L. Bache, 1969. Imagen cortesía del Museo Metropolitano de Arte.

Las obras en oro realizadas por el pueblo Tairona de la Sierra Nevada de Santa Marta en el norte de Colombia enfatizan el volumen y la forma tridimensional. Esta figura es parte de un pequeño grupo llamado caciques (& # 8220cheiftans & # 8221) debido a su apariencia extravagante e impresionante. Caciques van de una a seis pulgadas de altura y son huecos, moldeados por el método de cera perdida en tumbaga para lograr un detalle notable. Los lazos en la espalda indican que se usaron como colgantes.

Fernando Botero, Bailando en Colombia (1980)

La página de arte sudamericano de Art =, con Fernando Botero & # 8217s Dancing in Colombia (1980).

El arte de Botero a menudo representa a personas en su tiempo libre, bebiendo o bailando. Pueden parecer divertidas, pero a menudo están cargadas de comentarios sociales y políticos. Bailando en Colombia representa una animada escena de café, abarrotada de siete músicos, dos bailarines y una máquina de discos. Detalles como el piso lleno de cigarrillos y frutas y las bombillas expuestas en el techo sugieren que el café es bastante sórdido y atrae a clientes de naturaleza decadente y quizás inmoral. Se pueden imaginar olores a sudor, tabaco, licor y colonia barata, o las habitaciones de arriba que se pueden alquilar por horas, aunque nada de esto es explícito. Curiosamente, hay una gran diferencia de comportamiento entre los dos grupos de figuras. Los músicos miran sin comprender y parecen ser parte de una naturaleza muerta inanimada. Son el telón de fondo de la pareja inexplicablemente más pequeña que baila con desenfreno salvaje, con el pelo y las piernas volando. Al igual que otras obras de este período, la superficie de esta pintura es lisa, con pocos rastros de pincelada, el color se apaga, aunque pequeñas áreas de rojo, amarillo y verde aparecen de forma llamativa y brillante.

Derviches danzantes, Folio de un diván de Hafiz, c.1480

Derviches danzantes, Folio de un diván de Hafiz, c.1480. Pintura atribuida a Bihzad. Acuarela opaca y oro sobre papel. Fondo Rogers, 1917. Imagen cortesía del Museo Metropolitano de Arte.

Esta pintura muestra derviches en la ceremonia mística de la sama, en el que los giros y el baile se acompañan de música y recitaciones de un dhikr, una repetición del nombre de Dios. En su danza mística, los sufíes alcanzan un estado de éxtasis, facilitando su conexión con Dios. En primer plano, los derviches se muestran en varias etapas de entrada y agotamiento, sus turbantes dispersos arrojados a un lado en la dicha del éxtasis divino.

Los hermanos Limbourg, los Belles Heures de Jean de France, duque de Berry, 1405-08 / 09

Las Belles Heures de Jean de France, duc de Berry, 1405–08 / 09. Los hermanos Limbourg. Temple, oro, tinta sobre vitela.
The Cloisters Collection, 1954. Imagen cortesía del Museo Metropolitano de Arte.

Probablemente creado en París, el Belles Heures, o Horas hermosas, un libro devocional privado, es uno de los manuscritos más suntuosos que se conservan de la Edad Media. Encargado por Jean de France a los hermanos Limbourg, los artistas más talentosos de su tiempo, es el único manuscrito completado por ellos en su totalidad. El texto ricamente ilustrado se ve reforzado por siete ciclos de imágenes sin precedentes dedicados a figuras cristianas o eventos que tuvieron un significado especial para el duque. Usando una paleta luminosa, los artistas combinaron una visión nórdica íntima de la naturaleza con modos de articulación figurativa de estilo italiano. El gran interés en el mundo natural y los medios naturalistas de representarlo, tan llamativos en las 172 iluminaciones, presagia el trabajo de Jan van Eyck y las generaciones subsiguientes de destacados pintores del sur de Holanda del siglo XV.

Extraído de Arte =. Descubriendo infinitas conexiones en la historia del arte, El Museo Metropolitano de Arte, Phaidon.


Fuera de lo común

¿Tienes hambre de más? Estas cuatro galerías contienen tesoros menos conocidos en espacios más tranquilos.

Artes de África, Oceanía y América | Galería 354
No estamos seguros de por qué esta galería no es más popular: verá algunas de las obras de arte más exquisitas de cuatro continentes. Incluyen asombrosas piezas de oro intrincado de la América del Sur precolombina (Galería 357), obras deslumbrantes de las culturas africanas (Galería 352) y una escultura fluida de aluminio y alambre realizada para el museo por el artista ghanés El Anatsui en 2006 ( Galería 350).

El ala estadounidense | Galería 760
Aquí puede encontrar una de las imágenes más conocidas del arte estadounidense, "Washington Crossing the Delaware" de 1851 de Emanuel Leutze, que domina a los visitantes. Las galerías circundantes son una especie de mezcolanza, pero la Galería 771 contiene el escandaloso retrato de John Singer Sargent, "Madame X (Madame Pierre Gautreau)", la versión original, con una correa del vestido de Madame X cayéndose de su hombro, causó tal alboroto que Sargent lo repintó.

Arte islámico | Galería 461
Las obras de estas galerías muestran las conexiones y distinciones entre la península arábiga, Turquía y Asia central y meridional. ¿Buscas un cambio de ritmo? Dirígete a la Galería 461, donde hay un interior del siglo XVIII completamente instalado del Imperio Otomano, conocido como la Sala de Damasco.

Arte moderno y contemporáneo | Galería 915
El Met ha enfrentado críticas en ocasiones por no prestar suficiente atención al arte del presente, pero estas galerías son bastante ricas. El enorme "Ritmo de otoño (número 30)" de Jackson Pollock está en la Galería 901. Vuelve hacia la escalera para llegar al impresionante entrepiso, Galería 915, donde hay bancos para descansar mientras contemplas la colección.


Ludus Latrunculorum

A Ludus Latrunculorum junta encontrada en la Gran Bretaña romana (English Heritage / The Trustees of the Corbridge Excavation Fund)

El brindis del Imperio Romano, Ludus Latrunculorum o Latrúnculos era un juego de estrategia para dos jugadores diseñado para probar la destreza militar de los participantes. Jugado en cuadrículas de diferentes tamaños & # 8212 el ejemplo más grande conocido mide 17 por 18 cuadrados & # 8212 el llamado & # 8220 Juego de mercenarios & # 8221 era probablemente una variante del antiguo juego griego Petteia. (Aristóteles arroja algo de luz sobre las reglas de Petteia, comparando a un & # 8220 hombre sin ciudad-estado & # 8221 a una & # 8220 pieza aislada en Petteia & # 8221 que quedó vulnerable a ser capturada por un oponente).

La primera mención documentada de Ludus Latrunculorum data del siglo I a.C., cuando el escritor romano Varro describió sus piezas de juego de vidrio coloreado o piedra preciosa. Aproximadamente doscientos años después, el autor anónimo Laus Pisonis pintó una imagen vívida del juego, explicando, & # 8220 [L] as filas enemigas están divididas, y usted emerge victorioso con filas intactas, o con la pérdida de uno o dos hombres, y sus manos traquetean con la horda de cautivos. & # 8221 Los poetas Ovidio y Martial también hicieron referencia al juego en sus obras.

A pesar de su recurrencia tanto en evidencia escrita como arqueológica, Ludus Latrunculorum& # 8217s siguen sin estar claras las reglas exactas. Varios académicos han propuesto reconstrucciones potenciales del juego durante los últimos 130 años, según Juegos Antiguos. Quizás el más completo de ellos es el ensayo de 1994 de Ulrich Sch & # 228dler & # 8217, traducido al inglés en 2001, que sugiere que los jugadores movieron piezas hacia adelante, hacia atrás y hacia los lados con la esperanza de rodear una pieza enemiga aislada con dos propias. Las fichas capturadas se eliminaron del tablero, dejando a los jugadores victoriosos & # 8217 manos & # 8220rattl [ing] con la multitud de piezas, & # 8221 como Laus Pisonis Ponlo.


Azul marino

Cadetes de la Armada en uniforme, 1877. (Foto: Wikimedia Commons <>)

Formalmente conocido como azul marino, el tono más oscuro de azul y mdas también conocido como azul marinoEl & mdash fue adoptado como el color oficial de los uniformes de la Royal Navy británica, y fue usado por oficiales y marineros desde 1748. Desde entonces, las armadas modernas han oscurecido el color de sus uniformes a casi negro en un intento de evitar la decoloración. El tinte índigo fue la base de los colores azul marino históricos que datan del siglo XVIII.

Hecho de la diversión: Hay muchas variaciones de azul marino, que incluyen Cadete del espacio, un color que se formuló en 2007. Este tono está asociado con los uniformes de los cadetes de la marina espacial, un servicio militar ficticio armado con la tarea de explorar el espacio exterior.


El Sanxingdui

Los Sanxingdui eran una cultura de la Edad del Bronce que prosperó en lo que hoy es la provincia china de Sichuan. Un agricultor descubrió por primera vez artefactos de Sanxingdui en 1929, las excavaciones en el área en 1986 revelaron complejos tallados de jade y esculturas de bronce de 8 pies (2,4 metros) de altura.

Pero, ¿quiénes eran los Sanxingdui? A pesar de la evidencia de las habilidades artísticas de la cultura, nadie lo sabe realmente. Fueron prolíficos fabricantes de máscaras pintadas de bronce y láminas de oro que algunos arqueólogos creen que pueden haber representado dioses o antepasados, según el Museo Sanxingdui en China. El sitio de Sanxingdui muestra evidencia de abandono hace unos 2.800 o 3.000 años, y otra ciudad antigua, Jinsha, descubierta cerca, muestra evidencia de que tal vez Sanxingdui se mudó allí. In 2014, researchers at the annual meeting of the American Geophysical Union argued that at around this time, a major earthquake and landslide redirected the Minjiang River, which would have cut Sanxingdui off from water and forced a relocation.


How to access 375,000 beautiful, copyright-free images from New York’s Metropolitan Museum of Art

The sumptuous lips of a 3,000-year-old Egyptian queen’s face, and the plump belly of a 9th-century Mexican baby, are now at your disposal.

New York’s Metropolitan Museum of Art has released 375,000 images of works from its collection, with no restrictions on what you can do with them. The images, all of art in the US public domain, were previously available online, but with some stipulations about commercial use. You can find them at the digital collection, with “Public Domain Artworks” checked in the left-hand column.

“[The collection] represents 5,000 years of human endeavor, culture, and thought,” says Lauren Nemroff, head of digital content at the Met. She hopes people will create new works of their own, perhaps like these.

The images that are free to use cover 200,000 individual works of art, and new images are added each day. This is about half of the images represented online or about 13% of the museum’s permanent collection of 1.5 million artworks.

Works by Rembrandt, Vermeer, and Degas are all available, but the real treasures are the Met’s photographs of objects and relics from ages past. A frowning silver face from the Incas or a blue glazed ancient Egyptian hippopotamus, for example, will always come in handy. As will photos of old British gentlemen.

If that’s not enough of a rabbit hole, take a look at the 1 million images from the British Library, or 180,000 from the New York Public Library.


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